Hip hop
Czy wierzysz, że muzyka zawsze tworzy cuda i pokój w sercu? A styl hip-hopowy To nadal gatunek, który ludzie lubią w każdej epoce. I nie można zaprzeczyć, że każdy styl muzyczny ma zapach, który jest osadzony w kulturze i różnorodności ludzi w melodii muzyki. I to sprawia, że o hip-hopie wciąż się mówi. Oczywiste jest, że słuchanie muzyki hip-hopowej sprawia, że zawsze czujemy, że rozmawiają poprzez śpiew i komunikują się poprzez muzykę lub rytmy muzyczne, które są zgodne z sytuacją lub ludźmi, którzy jej słuchają. H Hip-hop w latach 70. był bardzo popularny. I oczywiście w każdym okresie zawsze są nieprawidłowości. Muzyka hip-hopowa nie była oficjalnie nagrywana dla radia lub telewizji aż do 1979 roku, głównie z powodu ubóstwa w czasie jej narodzin i braku akceptacji ze strony społeczności czarnej. Ten gatunek zaczął się rozprzestrzeniać poprzez zamknięte imprezy w całej społeczności czarnej. To jest jedna rzecz, która sprawia, że odzwierciedlamy znaczenie grupy ludzi, którzy są zróżnicowani. Bez względu na to, jakiego stylu muzyki słuchasz, zawsze możemy uczyć się od różnic, aby być pięknymi.
Kraj
Kiedy wyobrażasz sobie piosenkę country, co przychodzi Ci na myśl? Dla mnie jest to piosenka wypełniona miłością, ciepłem od rodziny lub pośrodku pól na wsi. Nie możemy sobie wyobrazić, że za każdym razem, gdy usłyszymy piosenkę country, poczujemy się spięci lub staniemy się zwolennikami tego stylu muzyki. Lub inna nazwa, którą do dziś znasz, to muzyka country. Country (nazywane również country i western) to gatunek muzyczny, który powstał w południowym regionie Stanów Zjednoczonych, zarówno na Południu, jak i na Południowym Zachodzie. Muzyka country, która powstała po raz pierwszy w latach 20. XX wieku, skupiała się na śpiewaniu piosenek opowiadających historie o życiu klasy robotniczej i pracowników w Ameryce. Brzmi to bardzo interesująco, ponieważ nie sądziłem, że Amerykanie są krajem zróżnicowanym i mającym styl muzyki, który zawsze jest piękny w swoich różnicach. I tak się stało. Czy jesteś zwolennikiem tego gatunku muzyki? I co mnie zaskoczyło. W 2009 roku w Stanach Zjednoczonych muzyka country była najczęściej słuchaną muzyką w godzinach szczytu podczas wieczornych dojazdów do pracy i była drugim najpopularniejszym gatunkiem podczas porannych dojazdów do pracy. Muzyka country znana jest z ballad i piosenek tanecznych („honky-tonk songs”), które mają proste formy i ludowe teksty. A harmonii zazwyczaj towarzyszą instrumenty takie jak banjo, skrzypce, harmonijka i różne rodzaje gitary (w tym gitary akustyczne, elektryczne, stalowe i rezonansowe). Chociaż muzyka country ma swoje korzenie w amerykańskiej muzyce ludowej w formach takich jak old-time i appalachian, wiele innych tradycji, takich jak meksykańska, irlandzka i hawajska, również wpłynęło na jej powstanie. Tryb bluesowy z bluesa był również szeroko stosowany w całej historii. Oczywiście uważam, że kiedy dotrzesz do tego momentu w swojej lekturze, możesz być trochę znudzony tym, jak każdy gatunek często włącza historię i tradycje kulturowe. Ale wierzę, że to właśnie tam rozpoczął się ścisły związek między konserwatywnymi wartościami a współczesną muzyką country, w odpowiedzi na ruch antywojenny lat 60. Do tego czasu prawie cała muzyka country, która do tej pory była nazywana folk country, nie miała wyraźnej orientacji politycznej i skupiała się na codziennych problemach i niepokojach klasy robotniczej. Album Merle'a Haggarda z 1969 roku Okie from Muskogee przedstawiał muzykę country z zdecydowanie konserwatywnej i politycznej perspektywy, co było popularne. Republikański prezydent Richard Nixon jeszcze bardziej wzmocnił to konserwatywne powiązanie muzyczne podczas swoich lat urzędowania. Często organizował wydarzenia dla muzyków country, ogłosił październik 1970 roku Miesiącem Muzyki Country i przemawiał do słuchaczy, którzy postrzegali muzykę country jako motywowaną politycznie. Jednak do tego czasu muzyka country rozprzestrzeniła się na wiele krajów w Azji i wiele innych krajów, w których muzyka country była stałym źródłem honoru.
Muzyka pop
Jak muzyka pop naprawdę wpłynęła lub powstała? I czy to prawda, że jest łatwa do słuchania i słuchania dla osób w każdym wieku? Ponieważ większość ludzi wierzy, że muzyka wywodzi się z kultury i sztuki, które zawsze się ze sobą łączyły. I jak to możliwe, że jest to nadal chwytliwa piosenka dla miłośników muzyki? Kto wie, czy styl muzyki pop jest naprawdę nowoczesny czy konserwatywny? W rzeczywistości muzyka pop ewoluowała wraz ze swoją definicją. Jak mówi pisarz muzyczny Bill Lamb, muzyka pop to „wszystkie formy muzyki od rewolucji przemysłowej z XIX wieku, które najbardziej przypominają gusta i zainteresowania miejskiej klasy średniej”. Termin „muzyka pop” został po raz pierwszy użyty w 1926 roku w odniesieniu do muzyki, która jest „popularna wśród mas”. Hatch i Millward twierdzą, że kilka wydarzeń w historii nagrań z lat 20. XX wieku jest uważanych za miejsce narodzin nowoczesnego przemysłu muzyki pop, w tym country, blues i hillbilly. Muzyka pop była produkowana jako wysiłek, a nie jako forma sztuki” i została „zaprojektowana tak, aby przypaść do gustu każdemu”, ale „nie pochodziła z żadnego jednego miejsca ani nie wyrażała żadnego konkretnego gustu”. Frith dodaje: „Muzyka pop nie jest napędzana żadnymi wielkimi ambicjami, poza zyskiem i nagrodami komercyjnymi, a muzycznie nie jest napędzana żadnymi wielkimi ambicjami, poza zyskiem i nagrodami komercyjnymi”. Muzyka pop jest zasadniczo konserwatywna. Pochodzi z góry (od wytwórni płytowych, radia i promotorów koncertów), a nie z dołu. Nie jest to muzyka tworzona samodzielnie, ale raczej profesjonalnie produkowana i pakowana, i jest często cytowana jako najlepsza muzyka pop. Jak mówi Frith, cechy muzyki pop obejmują jej cel, aby przyciągnąć ogólną publiczność, a nie określoną subkulturę lub ideologię, oraz nacisk na rzemiosło, a nie formalne „artystyczne” cechy.
Głaz
Kiedy wiele osób słyszy ten gatunek muzyczny, muzyka rockowa może sprawić, że wiele osób pomyśli, że muzyka rockowa może mieć w sobie osadzone historie lub kultury, i jest niewiarygodne, że początki muzyki rockowej sięgają Stanów Zjednoczonych pod nazwą „rock and roll” pod koniec lat 40. i na początku lat 50. i rozwinęła się w wiele różnych form od połowy lat 60., głównie w Stanach Zjednoczonych i Wielkiej Brytanii. Rock ma swoje korzenie w rock and rollu, formie, która czerpie bezpośrednio z gatunków muzyki czarnej, takich jak blues, rhythm and blues i country. Rock jest również silnie inspirowany gatunkami takimi jak blues elektryczny i folk, i zawiera wpływy jazzu i innych stylów muzycznych. Jeśli chodzi o instrumenty, rock zazwyczaj koncentruje się na gitarze elektrycznej, która często jest częścią zespołu rockowego, który ma gitarę basową, perkusję i jednego lub więcej wokalistów. Rock to zazwyczaj piosenka, która kładzie nacisk na śpiew, z rytmem 4-beat i wykorzystuje wzór zwrotki i harmonii. Ale gatunek jest bardzo zróżnicowany. Podobnie jak muzyka pop, teksty piosenek skupiają się na romantycznej miłości, ale poruszają również wiele innych tematów, często społecznych lub politycznych. Rock był najpopularniejszym gatunkiem muzycznym w Stanach Zjednoczonych i w całym świecie zachodnim od lat 50. do 2010. W połowie lat 60. muzycy rockowi zaczęli promować album zamiast singla jako dominującą formę nagranej ekspresji i konsumpcji, a na czele tej grupy stanęli The Beatles. Ich praca wprowadziła gatunek do głównego nurtu akceptacji i zapoczątkowała trwającą dziesięciolecia erę rocka pod wpływem albumów w przemyśle muzycznym. Pod koniec lat 60. klasyczny rock zrodził wiele podgatunków, w tym hybrydy, takie jak blues rock, folk rock, country rock i jazz rock, co pomogło w rozwoju rocka psychodelicznego, na który wpływ miały ruchy kontrkultury psychodelicznej i hipisowskiej. Pojawiły się nowsze gatunki, w tym rock progresywny, który rozszerzył elementy artystyczne, heavy metal, który kładł nacisk na twarde brzmienie, i glam rock, który kładł nacisk na występy i styl wizualny.
Elektroniczny
Instrumenty elektroniczne są szeroko stosowane w niemal wszystkich formach muzyki. W muzyce popularnej, takiej jak elektroniczna muzyka taneczna, niemal wszystkie nagrane dźwięki są elektroniczne (np. syntezatory basowe, syntezatory, automaty perkusyjne). Rozwój nowych instrumentów elektronicznych, kontrolerów i syntezatorów pozostaje aktywną i multidyscyplinarną dziedziną badań. Międzynarodowa konferencja na temat nowych interfejsów ekspresji muzycznej odbywa się w celu raportowania o nowatorskich pracach i prezentowania artystów, którzy wykonują lub tworzą muzykę za pomocą nowych instrumentów elektronicznych, kontrolerów i syntezatorów. A teraz bardziej intensywne treści na ten temat muzyczny. Ważnym nowym osiągnięciem było pojawienie się komputerów w celu komponowania muzyki. Zamiast kontrolować lub generować dźwięki, Iannis Xenakis był pionierem tego, co nazwał Musique Stochastique, czyli muzyką losową, metodą komponowania muzyki, która wykorzystywała matematyczne systemy prawdopodobieństwa. Różne algorytmy probabilistyczne były używane do generowania utworów w ramach zestawu parametrów. Xenakis użył papieru milimetrowego, aby pomóc obliczyć ścieżki prędkości glissand w swoim orkiestrowym utworze Metastasis (1953–54), ale później zwrócił się ku komputerom w celu skomponowania, takich jak ST/4 na kwartet smyczkowy i ST/48 na orkiestrę (oba z 1962 r.). Wpływ komputerów trwał nadal w 1956 r., kiedy Lejaren Hiller i Leonard Issacson skomponowali Illiac Suite na kwartet smyczkowy. Było to pierwsze kompletne dzieło kompozycji wspomaganej komputerowo z wykorzystaniem kompozycji algorytmicznej. W 1957 r. Max Matthews z Bell Lab napisał serię MUSIC-N, pierwszy program komputerowy do generowania cyfrowych fal dźwiękowych poprzez bezpośrednią syntezę. Następnie Barry Vercoe napisał MUSIC 11, oparty na programie do syntezy muzyki nowej generacji MUSIC IV-BF (później rozwiniętym w csound, który jest nadal szeroko stosowany). W połowie lat 80. Miller Puckett z IRCAM opracował graficzne oprogramowanie do przetwarzania sygnałów dla komputera 4X o nazwie Max (na cześć Maxa Matthewsa), a później przeniósł je na komputery Macintosh (Dave Ciccarelli rozszerzył je o Opcode[39]), aby sterować MIDI w czasie rzeczywistym, dzięki czemu algorytmiczne komponowanie stało się dostępne dla większości kompozytorów o średnim poziomie programowania komputerowego.
Ludowy
Jeśli nie jesteś zaznajomiony z dzisiejszym gatunkiem muzyki folkowej, zabiorę Cię do jego dogłębnego zbadania za pomocą podsumowania, które zarówno autor, jak i czytelnicy znajdą razem. Wiele osób słuchających tego typu muzyki uważa, że. Muzyka folkowa to gatunek, który odzwierciedla kulturę i sposób życia, mający swoje korzenie w tradycjach i kulturze każdej miejscowości. Na przykład irlandzka pieśń ludowa „The Parting Glass” lub amerykańska pieśń ludowa „This Land Is Your Land” przekazują historie ludzi, ich sposób życia, przekonania i doświadczenia przekazywane z pokolenia na pokolenie. A jeśli mówimy o rozwoju muzyki folkowej, muzyka folkowa istnieje w każdym kraju i rozwijała się zgodnie z czasami. W XX wieku muzyka folkowa została w dużym stopniu odrodzona, szczególnie w Stanach Zjednoczonych i Europie. Artystami, którzy odegrali zasadniczą rolę we wprowadzeniu muzyki folkowej do głównego nurtu, byli Bob Dylan, Joan Baez i Woody Guthrie. Muzyka folkowa to nie tylko gatunek, ale narzędzie do opowiadania historii o społeczeństwie. Jest to medium używane do odzwierciedlania problemów i emocji ludzi w każdej epoce. Na przykład pieśni ludowe były używane do poruszania kwestii społecznych, takich jak ubóstwo, wojna i prawa obywatelskie. Niezależnie od tego, czy są to pieśni ludowe, które odzwierciedlają problemy społeczne, tradycyjne pieśni ludowe, czy muzyka połączona z muzyką współczesną, muzyka ludowa nadal odgrywa ważną rolę w przemyśle muzycznym na całym świecie i rozprzestrzeniła się niesamowicie. Nie mogę uwierzyć, że muzyka ludowa jest w rzeczywistości wyjątkowa i przedstawia historie kultury, które są urzekające dla słuchaczy. Dlatego cechy muzyki ludowej to pieśni, które opowiadają historie ludzi, takie jak miłość, praca, szczęście i smutek oraz wydarzenia historyczne. Przy prostych melodiach często używa się instrumentów akustycznych, takich jak gitary, skrzypce, banjo, mandoliny i flety. Przekazywano ją ustnie, zanim została nagrana jako nuty lub nagrana w epoce nowożytnej. Z unikalnymi cechami dla każdej kultury, takimi jak irlandzka muzyka ludowa, amerykański bluegrass, tajska muzyka country lub hiszpańska muzyka flamenco. Jeśli czytałeś aż do tego miejsca, już doświadczyłeś i zdałeś sobie sprawę, że muzyka ludowa zawsze ma historie, które zawierają dobrą energię.
Dom
House to elektroniczna muzyka taneczna, która ma powtarzalny czterouderzeniowy rytm i ogólne tempo 115–130 uderzeń na minutę. Uważa się, że gdy wiele osób słyszy ten gatunek, często myśli, że mógł on zostać wymyślony lub stworzony podczas tworzenia muzyki w domu, w kulturze rodzinnej lub przez ludzi w domu. Ale w rzeczywistości gatunek ten został stworzony przez DJ-ów i producentów muzycznych z podziemnej kultury klubowej Chicago i stopniowo rozwijał się na początku do połowy lat 80., gdy DJ-e zaczęli zmieniać muzykę disco, aby miała bardziej mechaniczny rytm. Na początku 1988 roku House stał się głównym nurtem i zastąpił ogólne rytmy lat 80. Jeśli przyjrzymy się temu nieco dokładniej, w swojej najogólniejszej formie gatunek ten charakteryzuje się powtarzalnym rytmem 4/4, bębnem basowym, nieregularnym hi-hatem, werblem, klaskaniem i/lub uderzeniami w tempie od 120 do 130 uderzeń na minutę (bpm), riffami syntezatora, głęboką linią basową i często, ale niekoniecznie, śpiewanym, mówionym lub samplowanym wokalem. W muzyce house bęben basowy jest zazwyczaj grany na uderzeniach 1, 2, 3 i 4, a werbel, klaskanie lub wyższy instrument perkusyjny jest używany na uderzeniach 2 i 4. Uderzenia perkusji w muzyce house to zazwyczaj elektroniczne automaty perkusyjne, zazwyczaj Roland TR-808, TR-909 lub TR-707. Klaskanie, potrząsanie, werble lub dźwięki hi-hatu są używane do dodawania synkopy. Charakterystyczne rytmiczne riffy, szczególnie we wczesnym Chicago house, są zbudowane na wzorze clave, czasami z dodanymi kongami i bongosami dla afrykańskiego brzmienia. Lub metalowymi perkusjami dla latynoskiego klimatu.
R&B
Jeśli chodzi o gatunek muzyczny, rhythm and blues nie jest czymś, z czym wiele osób jest zaznajomionych. Jednak większość ludzi ma tendencję do skracania go do R&B lub R'n'B. Popularny gatunek muzyczny narodził się w społeczności czarnej w latach 40. XX wieku. Wytwórnie płytowe zaczęły opisywać nagrania, które były sprzedawane głównie czarnym. Podczas wzrostu „ciężkiego, stałego jazz-rocka” w latach 50. i 70. XX wieku zespoły składały się zazwyczaj z pianina, jednej lub dwóch gitar, basu, perkusji, jednego lub więcej saksofonów, a czasami wokalisty wspierającego. Teksty R&B często podsumowują historię i doświadczenia czarnych w Ameryce, w tym ból, dążenie do wolności i szczęścia, a także triumfy i porażki pod względem rasizmu, ucisku, relacji, ekonomii i aspiracji społecznych. Widzisz, w końcu mamy gatunek muzyczny, który odzwierciedla sposób życia grupy w społeczeństwie, które jest intensywne i różnorodne, mieszając się ze wszystkimi rodzajami muzyki i, oczywiście, sprawiając, że „rhythm and blues” zmieniał swoje znaczenie wiele razy. Na początku lat 50. termin ten był często używany w odniesieniu do płyt bluesowych. W połowie lat 50., po tym, jak muzyka ta pomogła rozwinąć rock and rolla, termin „R&B” zaczął być używany w szerszym kontekście, odnosząc się do stylu muzyki, który ewoluował i łączył elektryczny blues, gospel i soul. W latach 70. „rhythm and blues” zmienił się ponownie i był używany jako zbiorcze określenie dla soulu i funku. Rozwinął się nowy styl muzyki R&B, który stał się znany jako „współczesny R&B”. Ten współczesny styl łączył R&B z popem, disco, hip hopem, soulem, funkiem i muzyką elektroniczną. R&B stosowano wówczas do albumów bluesowych. Pisarz i producent Robert Palmer zdefiniował rhythm and blues jako „zbiorcze określenie wszystkich form muzyki tworzonej przez i dla czarnoskórych Amerykanów”. Używał również terminu „R&B” jako synonimu jump bluesa. Jednak AllMusic oddzielił ten termin od jump bluesa, ponieważ R&B miało większy wpływ gospel.[16] Lawrence Cohn, autor Nothing but the Blues, napisał, że „rhythm and blues” był ogólnym terminem wymyślonym dla wygody branży. Według niego termin ten obejmował całą czarną muzykę, z wyjątkiem muzyki klasycznej i religijnej, chyba że muzyka gospel sprzedawała się na tyle dobrze, że była na listach przebojów aż do XXI wieku. Termin R&B był nadal używany (w niektórych kontekstach) do kategoryzowania muzyki tworzonej przez czarnoskórych muzyków, oddzielnie od stylów tworzonych przez innych muzyków. W komercyjnej muzyce rhythm and blues, która charakteryzowała lata 50. i 70., zespoły zazwyczaj składały się z fortepianu, jednej lub dwóch gitar, basu, perkusji i saksofonu. Aranżacje były ćwiczone do absolutnego minimum, a czasami obejmowały wokalistów wspierających. Proste, powtarzalne części były przeplatane, tworząc dynamikę i rytmiczną grę, która tworzyła miękką, melodyjną i często hipnotyczną fakturę, jednocześnie zwracając uwagę na poszczególne głosy, mimo że wokaliści byli emocjonalnie zaangażowani w teksty, często intensywnie. Ale pozostali spokojni, zrelaksowani i kontrolowani. Zespół nosił garnitury i mundury, praktykę, która kojarzyła się z muzyką popularną, którą muzycy R&B pragnęli zdominować. Teksty były często złowieszcze, a muzyka często podążała za przewidywalnymi wzorcami akordów i strukturami. Teksty R&B często oddawały bolesne doświadczenia Afroamerykanów. Publikacja Smithsonian podsumowała początki gatunku w 2016 roku: „Muzyka afroamerykańska, w szczególności, czerpiąca z głębokich gałęzi ekspresji Afroamerykanów, jest połączeniem gospel, jump bluesa, big band swing, boogie i bluesa, które rozwijało się przez okres trzydziestu lat, obejmujący erę legalnej muzyki.
Łacina
Nie da się zaprzeczyć, że podróżowanie po całym świecie sprawia, że odwiedzane miasto staje się niezapomniane. Wierzę, że jeśli kiedykolwiek podróżowałeś do dowolnego kraju na południu Ameryki, z pewnością słyszałeś o muzyce latynoskiej. Nawet jeśli nie jesteś z nią zaznajomiony, miejscowi i obywatele, którzy pielęgnują lokalną muzykę, z pewnością będą w stanie zapoznać cię z brzmieniami muzyki latynoskiej. I dlatego muzyka latynoska do dziś cieszy się niesłabnącą popularnością i staje się coraz bardziej popularna, nawet po przeniesieniu się jej do Ameryki. Wierzę, że i Ty pokochasz ten rodzaj muzyki, ponieważ zawiera wstawki w języku hiszpańskim i portugalskim, dzięki czemu znów staje się chwytliwa. Złota era muzyki latynoskiej rozpoczęła się w 1997 roku, kiedy NARAS założył Latin Recording Academy (LARAS) w celu rozszerzenia swojej działalności na Amerykę Łacińską i Hiszpanię. We wrześniu 2000 roku LARAS zainaugurował Latin Grammy Awards, ceremonię wręczenia nagród odrębną od nagród Grammy. Organizatorzy stwierdzili, że świat muzyki latynoskiej jest zbyt duży, aby pomieścić wszystkie nagrody Grammy. Michael Greene, były szef NARAS, powiedział kiedyś, że różnorodność stylów muzyki latynoskiej skomplikowała proces przyznawania nagród Latin Grammy. Zauważając, że jedyną wspólną cechą wszystkich nagród jest język, Latin Grammy Awards przyznawane są za płyty grane w języku hiszpańskim lub portugalskim, podczas gdy organizacja skupia się na muzyce z Ameryki Łacińskiej, Hiszpanii i Portugalii. Od końca lat 90. XX wieku w Stanach Zjednoczonych obserwuje się coraz większy wzrost populacji „Latynosów”, terminu, który spopularyzowano w latach 60. XX wieku, gdy mylono termin „hiszpański” z bardziej właściwym, ale mniej popularnym terminem „hiszpański”. Ludzie w Stanach Zjednoczonych zaczęli nazywać całą muzykę z udziałem hiszpańskiego wokalu „muzyką latynoską”. S hiszpańskojęzyczna muzyka śpiewana w dowolnym gatunku została sklasyfikowana jako „latynoska”. To sprawiło, że artyści w Hiszpanii zaczęli być nazywani „latynoskimi”.
Stany Zjednoczone
