हिप हॉप
क्या आप मानते हैं कि संगीत हमेशा चमत्कार और हृदय में शांति पैदा करता है? और हिप-हॉप शैली यह अभी भी एक ऐसी शैली है जिसे लोग हर युग में पसंद करते हैं। और इस बात से इनकार नहीं किया जा सकता कि संगीत की हर शैली में आज भी एक सुगंध है जो संगीत की धुन में लोगों की संस्कृति और विविधता के साथ अंतर्निहित है। और यही कारण है कि हिप-हॉप के बारे में आज भी हमेशा बात होती है। यह स्पष्ट है कि हिप-हॉप संगीत सुनने से हमें हमेशा ऐसा महसूस होता है कि वे गायन के माध्यम से बात कर रहे हैं और संगीत या संगीत लय के माध्यम से संवाद कर रहे हैं जो स्थिति या इसे सुनने वाले लोगों के अनुरूप है। 1970 के दशक में हिप-हॉप बहुत लोकप्रिय था। और हां, हर काल में अनियमितताएं तो होती ही हैं। हिप-हॉप संगीत को आधिकारिक तौर पर रेडियो या टेलीविजन के लिए 1979 तक रिकॉर्ड नहीं किया गया था, जिसका मुख्य कारण इसके जन्म के समय गरीबी और अश्वेत समुदाय द्वारा इसकी स्वीकार्यता में कमी थी। यह शैली बंद पार्टियों के माध्यम से पूरे अश्वेत समुदाय में फैलने लगी। यह एक ऐसी बात है जो हमें विविधता वाले लोगों के समूह के महत्व को प्रतिबिंबित करने के लिए प्रेरित करती है। चाहे आप किसी भी शैली का संगीत सुनें, हम हमेशा सुंदर बनने के लिए अंतरों से सीख सकते हैं।
देश
जब आप किसी कंट्री गाने की कल्पना करते हैं, तो आपके दिमाग में क्या आता है? मेरे लिए, यह परिवार से प्यार, गर्मजोशी या ग्रामीण इलाकों में खेतों के बीच में गाया जाने वाला गाना है। हम कल्पना नहीं कर सकते कि हर बार जब हम कोई कंट्री गाना सुनते हैं, तो यह हमें तनाव में डाल देगा या संगीत की इस शैली का अनुयायी बन जाएगा। या एक और नाम जिसे आप आज भी जानते हैं उसे कंट्री म्यूजिक कहते हैं। कंट्री (जिसे कंट्री और वेस्टर्न भी कहा जाता है) एक संगीत शैली है जिसकी उत्पत्ति संयुक्त राज्य अमेरिका के दक्षिणी क्षेत्र में हुई थी, दक्षिण और दक्षिण-पश्चिम दोनों में। कंट्री म्यूजिक, जिसे पहली बार 1920 के दशक में बनाया गया था, ने ऐसे गाने गाने पर ध्यान केंद्रित किया, जो अमेरिका में मजदूर वर्ग और श्रमिकों के जीवन के बारे में कहानियाँ बताते थे। यह बहुत दिलचस्प लगता है क्योंकि मुझे नहीं लगता था कि अमेरिकी एक ऐसा देश है जो विविधतापूर्ण है और जिसकी संगीत शैली हमेशा अपने अंतरों में सुंदर होती है। और ऐसा ही हुआ। क्या आप संगीत की इस शैली के अनुयायी हैं? और मुझे किस बात ने चौंका दिया। 2009 में संयुक्त राज्य अमेरिका में, शाम के आवागमन के दौरान भीड़-भाड़ वाले घंटों में देशी संगीत सबसे ज़्यादा सुना जाने वाला संगीत था और सुबह के आवागमन के दौरान भी यह दूसरी सबसे लोकप्रिय शैली थी। देशी संगीत अपने गाथागीतों और नृत्य गीतों ("होन्की-टोंक गाने") के लिए जाना जाता है, जिनमें सरल रूप और लोक गीत होते हैं। और सामंजस्य आमतौर पर बैंजो, फ़िडल, हारमोनिका और विभिन्न प्रकार के गिटार (ध्वनिक, इलेक्ट्रिक, स्टील और रेज़ोनेटर गिटार सहित) जैसे उपकरणों के साथ होता है। हालाँकि देशी संगीत की जड़ें पुराने समय और अप्पलाचियन जैसे रूपों में अमेरिकी लोक संगीत में हैं, लेकिन मैक्सिकन, आयरिश और हवाईयन जैसी कई अन्य परंपराओं ने भी इसके निर्माण को प्रभावित किया है। ब्लूज़ से ब्लूज़ मोड का भी पूरे इतिहास में व्यापक रूप से उपयोग किया गया है। बेशक, मेरा मानना है कि जब तक आप अपने पढ़ने में इस बिंदु तक पहुँचते हैं, तब तक आप इस बात से थोड़ा ऊब चुके होंगे कि प्रत्येक शैली अक्सर इतिहास और सांस्कृतिक परंपराओं को कैसे शामिल करती है। लेकिन मेरा मानना है कि यहीं से रूढ़िवादी मूल्यों और समकालीन देशी संगीत के बीच घनिष्ठ संबंध शुरू हुआ, जो 1960 के दशक के युद्ध-विरोधी आंदोलन की प्रतिक्रिया थी। उस समय तक, लगभग सभी देशी संगीत, जिसे उस समय तक लोक देशी संगीत कहा जाता था, का कोई स्पष्ट राजनीतिक अभिविन्यास नहीं था और इसके बजाय यह मजदूर वर्ग की रोजमर्रा की समस्याओं और चिंताओं पर केंद्रित था। मेरले हैगार्ड के 1969 के एल्बम ओकी फ्रॉम मस्कोगी ने देशी संगीत को एक निश्चित रूढ़िवादी और राजनीतिक दृष्टिकोण के साथ प्रस्तुत किया, जो लोकप्रिय था। रिपब्लिकन राष्ट्रपति रिचर्ड निक्सन ने अपने कार्यकाल के दौरान इस रूढ़िवादी संगीत संबंध को और मजबूत किया। इसने अक्सर देशी संगीतकारों के लिए कार्यक्रम आयोजित किए, अक्टूबर 1970 को देशी संगीत महीना घोषित किया, और उन श्रोताओं को आकर्षित किया जो देशी संगीत को राजनीति से प्रेरित मानते थे। हालाँकि, अब तक देशी संगीत एशिया के कई देशों और कई अन्य देशों में फैल चुका था, जो देशी संगीत को सम्मान के एक निरंतर स्रोत के रूप में देखते थे।
जल्दी से आना
पॉप संगीत ने वास्तव में कैसे प्रभाव डाला या इसकी उत्पत्ति कैसे हुई? और क्या यह सच है कि इसे सुनना और सुनना सभी उम्र के लोगों के लिए आसान है? क्योंकि अधिकांश लोगों का मानना है कि संगीत की उत्पत्ति संस्कृति और कला से हुई है जो हमेशा एक साथ आते हैं। और यह अभी भी संगीत प्रेमियों के लिए एक आकर्षक गीत कैसे है?, कौन जानता है कि पॉप संगीत की शैली वास्तव में आधुनिक है या रूढ़िवादी? वास्तव में, पॉप संगीत अपनी परिभाषा के साथ-साथ विकसित हुआ है। जैसा कि संगीत लेखक बिल लैम्ब कहते हैं, पॉप संगीत “1800 के दशक की औद्योगिक क्रांति के बाद से संगीत के सभी रूप हैं जो शहरी मध्यम वर्ग के स्वाद और रुचियों से सबसे अधिक मिलते-जुलते हैं।” “पॉप संगीत” शब्द का पहली बार इस्तेमाल 1926 में उस संगीत के लिए किया गया था जो “आम जनता के बीच लोकप्रिय” हो। ” हैच और मिलवर्ड का तर्क है कि 1920 के दशक के रिकॉर्डिंग इतिहास में कई घटनाओं को आधुनिक पॉप संगीत उद्योग का जन्मस्थान माना जाता है, जिसमें कंट्री, ब्लूज़ और हिलबिल्ली शामिल हैं। पॉप संगीत एक कला के रूप में नहीं, बल्कि एक प्रयास के रूप में तैयार किया गया था," और इसे "हर किसी को आकर्षित करने के लिए डिज़ाइन किया गया था", लेकिन "यह किसी एक स्थान से उत्पन्न नहीं हुआ था या किसी एक विशेष स्वाद को व्यक्त नहीं करता था।" फ्रिथ कहते हैं, "पॉप संगीत किसी महान महत्वाकांक्षा से प्रेरित नहीं होता, सिवाय लाभ और व्यावसायिक पुरस्कारों के, और संगीत की दृष्टि से भी यह किसी महान महत्वाकांक्षा से प्रेरित नहीं होता, सिवाय व्यावसायिक लाभ और पुरस्कारों के।" पॉप संगीत मूलतः रूढ़िवादी है। यह नीचे से नहीं बल्कि ऊपर से (रिकॉर्ड लेबल, रेडियो और कॉन्सर्ट प्रमोटरों द्वारा) आता है। यह स्व-निर्मित संगीत नहीं है, बल्कि व्यावसायिक रूप से निर्मित और पैकेज्ड संगीत है, और इसे अक्सर सर्वश्रेष्ठ पॉप संगीत के रूप में उद्धृत किया जाता है। जैसा कि फ्रिथ कहते हैं, पॉप संगीत की विशेषताओं में एक विशिष्ट उपसंस्कृति या विचारधारा के बजाय सामान्य दर्शकों को आकर्षित करने का लक्ष्य शामिल है, और औपचारिक "कलात्मक" गुणों के बजाय शिल्प कौशल पर इसका जोर शामिल है।
चट्टान
जब कई लोग संगीत शैली सुनते हैं, तो रॉक संगीत वास्तव में कई लोगों को यह सोचने पर मजबूर कर सकता है कि रॉक संगीत में कहानियाँ या संस्कृतियाँ अंतर्निहित हो सकती हैं, और यह अविश्वसनीय है कि रॉक संगीत की उत्पत्ति 1940 के दशक के अंत और 1950 के दशक की शुरुआत में "रॉक एंड रोल" नाम से संयुक्त राज्य अमेरिका से हुई और 1960 के दशक के मध्य से कई अलग-अलग रूपों में विकसित हुई, ज़्यादातर संयुक्त राज्य अमेरिका और यूनाइटेड किंगडम में। रॉक की जड़ें रॉक एंड रोल में हैं, एक ऐसा रूप जो सीधे ब्लूज़, रिदम और ब्लूज़ और कंट्री जैसे ब्लैक म्यूज़िक शैलियों से आकर्षित होता है। रॉक इलेक्ट्रिक ब्लूज़ और लोक जैसी शैलियों से भी काफी प्रभावित है, और इसमें जैज़ और अन्य संगीत शैलियों के प्रभाव शामिल हैं। वाद्ययंत्रों के लिए, रॉक आमतौर पर इलेक्ट्रिक गिटार पर ध्यान केंद्रित करता है, जो अक्सर एक रॉक समूह का हिस्सा होता है जिसमें इलेक्ट्रिक बास गिटार, ड्रम और एक या अधिक गायक होते हैं। रॉक आमतौर पर एक ऐसा गीत होता है जो गायन पर जोर देता है, जिसमें 4-बीट लय होती है और एक छंद और सद्भाव पैटर्न का उपयोग किया जाता है। लेकिन शैली बहुत विविध है। पॉप संगीत की तरह, गीत रोमांटिक प्रेम पर केंद्रित होते हैं, लेकिन कई अन्य विषयों, अक्सर सामाजिक या राजनीतिक, के बारे में भी बात करते हैं। रॉक 1950 के दशक से 2010 के दशक तक संयुक्त राज्य अमेरिका और पूरे पश्चिमी दुनिया में सबसे लोकप्रिय संगीत शैली थी। 1960 के दशक के मध्य तक, रॉक संगीतकार एकल के बजाय एल्बम को रिकॉर्ड की गई अभिव्यक्ति और उपभोग के प्रमुख रूप के रूप में आगे बढ़ाने लगे थे, जिसमें बीटल्स सबसे आगे थे। उनके काम ने शैली को मुख्यधारा में स्वीकार्यता दिलाई और संगीत उद्योग में रॉक के दशकों लंबे एल्बम-प्रभावित युग की शुरुआत की। 1960 के दशक के उत्तरार्ध में, क्लासिक रॉक ने कई उप-शैलियों को जन्म दिया था, जिसमें ब्लूज़ रॉक, लोक रॉक, कंट्री रॉक और जैज़ रॉक जैसे संकर शामिल थे, जिसने साइकेडेलिक रॉक के विकास में मदद की, जो साइकेडेलिक और हिप्पी काउंटरकल्चर आंदोलनों से प्रभावित था। नई शैलियाँ उभरीं, जिनमें प्रगतिशील रॉक शामिल था, जिसने कलात्मक तत्वों का विस्तार किया, हेवी मेटल, जिसने एक कठोर ध्वनि पर जोर दिया, और ग्लैम रॉक, जिसने प्रदर्शन और दृश्य शैली पर जोर दिया।
इलेक्ट्रोनिक
इलेक्ट्रॉनिक उपकरणों का इस्तेमाल लगभग सभी तरह के संगीत में व्यापक रूप से किया जाता है। इलेक्ट्रॉनिक डांस म्यूजिक जैसे लोकप्रिय संगीत में, लगभग सभी रिकॉर्ड की गई ध्वनियाँ इलेक्ट्रॉनिक होती हैं (जैसे बास सिंथ, सिंथेसाइज़र, ड्रम मशीन)। नए इलेक्ट्रॉनिक उपकरणों, नियंत्रकों और सिंथेसाइज़र का विकास अनुसंधान का एक सक्रिय और बहु-विषयक क्षेत्र बना हुआ है। संगीत अभिव्यक्ति के लिए नए इंटरफेस पर अंतर्राष्ट्रीय सम्मेलन, अत्याधुनिक काम पर रिपोर्ट करने और नए इलेक्ट्रॉनिक उपकरणों, नियंत्रकों और सिंथेसाइज़र के साथ संगीत का प्रदर्शन या निर्माण करने वाले कलाकारों को प्रदर्शित करने के लिए आयोजित किया जाता है। और अब इस संगीत विषय पर अधिक गहन सामग्री के लिए। एक प्रमुख नया विकास संगीत रचना के उद्देश्य से कंप्यूटर का आगमन था। ध्वनियों को नियंत्रित करने या उत्पन्न करने के बजाय, इयानिस ज़ेनाकिस ने म्यूज़िक स्टोचैस्टिक या यादृच्छिक संगीत नामक एक विधि का बीड़ा उठाया, जो गणितीय संभाव्यता प्रणालियों का उपयोग करके संगीत रचना की एक विधि थी। मापदंडों के एक सेट के भीतर काम उत्पन्न करने के लिए विभिन्न संभाव्य एल्गोरिदम का उपयोग किया गया था। ज़ेनाकिस ने अपने ऑर्केस्ट्रा के टुकड़े मेटास्टेसिस (1953-54) के लिए ग्लिसैंडो के वेग पथों की गणना करने में मदद के लिए ग्राफ़िंग पेपर का इस्तेमाल किया, लेकिन बाद में रचना के लिए कंप्यूटर का इस्तेमाल किया, जैसे स्ट्रिंग चौकड़ी के लिए ST/4 और ऑर्केस्ट्रा के लिए ST/48 (दोनों 1962)। कंप्यूटर का प्रभाव 1956 में जारी रहा जब लेजरन हिलर और लियोनार्ड इस्साकसन ने स्ट्रिंग चौकड़ी के लिए इलियाक सूट की रचना की। यह एल्गोरिदमिक रचना का उपयोग करके कंप्यूटर-सहायता प्राप्त रचना का पहला पूर्ण कार्य था। 1957 में, बेल लैब के मैक्स मैथ्यूज ने MUSIC-N सीरीज़ लिखी, जो प्रत्यक्ष संश्लेषण द्वारा डिजिटल ध्वनि तरंगों को उत्पन्न करने वाला पहला कंप्यूटर प्रोग्राम था। फिर बैरी वर्को ने MUSIC 11 लिखा, जो अगली पीढ़ी के संगीत संश्लेषण कार्यक्रम MUSIC IV-BF (जिसे बाद में csound में विकसित किया गया, जो अभी भी व्यापक रूप से उपयोग किया जाता है) पर आधारित था। 1980 के दशक के मध्य में, IRCAM के मिलर पकेट ने 4X के लिए मैक्स (मैक्स मैथ्यूज के नाम पर) नामक एक ग्राफिकल सिग्नल प्रोसेसिंग सॉफ्टवेयर विकसित किया, और बाद में इसे मैकिन्टोश में पोर्ट किया (डेव सिकारेली ने इसे ऑपकोड[39] के लिए विस्तारित किया) ताकि वास्तविक समय में MIDI को नियंत्रित किया जा सके, जिससे कंप्यूटर प्रोग्रामिंग के मध्यवर्ती स्तर वाले अधिकांश संगीतकारों के लिए एल्गोरिदमिक रचना सुलभ हो सके।
लोक
यदि आप आज लोक संगीत शैली से परिचित नहीं हैं, तो मैं आपको इसका गहराई से पता लगाने के लिए ले जाऊँगा, जिसमें लेखक और पाठक दोनों ही एक साथ मिल जाएँगे। इस तरह के संगीत को सुनने वाले कई लोग ऐसा मानते हैं। लोक संगीत एक ऐसी शैली है जो संस्कृति और जीवन शैली को दर्शाती है, जिसकी जड़ें प्रत्येक इलाके की परंपराओं और संस्कृति में होती हैं। उदाहरण के लिए, आयरिश लोक गीत 'द पार्टिंग ग्लास' या अमेरिकी लोक गीत 'दिस लैंड इज़ योर लैंड' लोगों की कहानियाँ, उनके जीवन के तरीके, विश्वास और अनुभवों को व्यक्त करते हैं जो पीढ़ी दर पीढ़ी आगे बढ़ते रहे हैं। और अगर हम लोक संगीत के विकास की बात करें, तो लोक संगीत हर देश में मौजूद है और समय के अनुसार विकसित हुआ है। 20वीं सदी में, लोक संगीत को बहुत पुनर्जीवित किया गया, खासकर संयुक्त राज्य अमेरिका और यूरोप में। बॉब डायलन, जोन बाएज़ और वुडी गुथरी जैसे कलाकारों ने लोक संगीत को मुख्यधारा में लाने में महत्वपूर्ण भूमिका निभाई। लोक संगीत केवल एक शैली नहीं है, बल्कि समाज के बारे में कहानियाँ कहने का एक साधन है। यह प्रत्येक युग में लोगों की समस्याओं और भावनाओं को दर्शाने के लिए इस्तेमाल किया जाने वाला एक माध्यम है। उदाहरण के लिए, लोकगीतों का इस्तेमाल गरीबी, युद्ध और नागरिक अधिकारों जैसे सामाजिक मुद्दों को संबोधित करने के लिए किया जाता रहा है। चाहे वह सामाजिक समस्याओं को दर्शाने वाले लोकगीत हों, पारंपरिक लोकगीत हों या आधुनिक संगीत के साथ जोड़ा गया संगीत, लोकसंगीत अभी भी दुनिया भर के संगीत उद्योग में एक महत्वपूर्ण भूमिका निभाता है और अविश्वसनीय रूप से फैल चुका है। मुझे विश्वास नहीं होता कि लोकसंगीत वास्तव में इतना अनूठा है और संस्कृति की ऐसी कहानियाँ प्रस्तुत करता है जो श्रोताओं को लुभाती हैं। इसलिए लोकसंगीत की विशेषताएँ ऐसे गीत हैं जो प्रेम, काम, खुशी और दुख और ऐतिहासिक घटनाओं जैसे लोगों की कहानियाँ बताते हैं। सरल धुनों के साथ, गिटार, वायलिन, बैंजो, मैंडोलिन और बांसुरी जैसे ध्वनिक उपकरणों का अक्सर उपयोग किया जाता है। आधुनिक युग में नोट्स के रूप में रिकॉर्ड किए जाने या रिकॉर्ड किए जाने से पहले इसे मौखिक रूप से पारित किया गया था। प्रत्येक संस्कृति के लिए अनूठी विशेषताओं के साथ, जैसे कि आयरिश लोक संगीत, अमेरिकी ब्लूग्रास, थाई देशी संगीत या स्पेनिश फ़्लैमेंको संगीत। यदि आपने इसे अब तक पढ़ा है, तो आप पहले ही अनुभव कर चुके हैं और महसूस कर चुके हैं कि लोकसंगीत में हमेशा ऐसी कहानियाँ होती हैं जिनमें अच्छी ऊर्जा होती है।
घर
हाउस इलेक्ट्रॉनिक डांस म्यूज़िक है जिसमें चार बीट की लय दोहराई जाती है और 115-130 बीट प्रति मिनट की सामान्य गति होती है। ऐसा माना जाता है कि जब कई लोग इस शैली को सुनते हैं, तो वे अक्सर सोचते हैं कि इसका आविष्कार या निर्माण घर पर संगीत बनाने या पारिवारिक संस्कृति से या घर के लोगों से हुआ होगा। लेकिन वास्तव में, इस शैली को शिकागो की भूमिगत क्लब संस्कृति से डीजे और संगीत निर्माताओं द्वारा बनाया गया था और धीरे-धीरे 1980 के दशक के मध्य में विकसित हुआ जब डीजे ने डिस्को संगीत को अधिक यांत्रिक लय में बदलना शुरू किया। 1988 की शुरुआत में, हाउस मुख्यधारा बन गया और 80 के दशक की सामान्य लय को बदल दिया। अगर हम थोड़ा और गहराई से देखें, तो वास्तव में, इसके सबसे सामान्य रूप में, इस शैली की विशेषता एक दोहरावदार 4/4 बीट, एक बेस ड्रम, ऑफ-बीट हाई-हैट, स्नेयर ड्रम, ताली और/या 120 और 130 बीट्स प्रति मिनट (बीपीएम) के बीच की गति पर थप्पड़, सिंथेसाइज़र रिफ़, एक गहरी बेसलाइन और अक्सर, लेकिन जरूरी नहीं कि, गाए गए, बोले गए या सैंपल किए गए स्वर हैं। हाउस में, बेस ड्रम आमतौर पर बीट्स 1, 2, 3 और 4 पर बजाया जाता है, और एक स्नेयर ड्रम, क्लैप्स या उच्च-पिच वाले पर्क्यूशन इंस्ट्रूमेंट का उपयोग बीट्स 2 और 4 पर किया जाता है। हाउस म्यूज़िक में ड्रम बीट्स आमतौर पर इलेक्ट्रॉनिक ड्रम मशीन होती हैं, आमतौर पर रोलांड TR-808, TR-909, या TR-707। ताली, शेक, स्नेयर ड्रम या हाई-हैट साउंड का उपयोग सिंकोपेशन जोड़ने के लिए किया जाता है। खास तौर पर शुरुआती शिकागो हाउस में, सिग्नेचर रिदमिक रिफ्स को क्लेव पैटर्न के अनुसार बनाया जाता है, जिसमें कभी-कभी अफ्रीकी ध्वनि के लिए कोंगा और बोंगो को जोड़ा जाता है। या लैटिन फील के लिए मेटैलिक पर्क्यूशन का इस्तेमाल किया जाता है।
R&B
जब संगीत शैली की बात आती है, तो रिदम और ब्लूज़ ऐसी चीज़ नहीं है जिससे बहुत से लोग परिचित हैं। हालाँकि, ज़्यादातर लोग इसे R&B या R'n'B के रूप में संक्षिप्त करते हैं। लोकप्रिय संगीत शैली की शुरुआत 1940 के दशक में अश्वेत समुदाय में हुई थी। रिकॉर्ड कंपनियों ने उन रिकॉर्डिंग का वर्णन करना शुरू किया जो मुख्य रूप से अश्वेतों के लिए विपणन की जाती थीं। 1950 और 1970 के दशक में "भारी, निरंतर जैज़-रॉक" के उदय के दौरान, बैंड में आम तौर पर एक पियानो, एक या दो गिटार, एक बास, ड्रम, एक या अधिक सैक्सोफोन और कभी-कभी एक बैकअप गायक शामिल होते थे। R&B गीत अक्सर अमेरिका में अश्वेतों के इतिहास और अनुभवों को संक्षेप में प्रस्तुत करते हैं, जिसमें दर्द, स्वतंत्रता और खुशी की तलाश, साथ ही नस्लवाद, उत्पीड़न, रिश्तों, अर्थशास्त्र और सामाजिक आकांक्षाओं के संदर्भ में जीत और असफलताएँ शामिल हैं। आप देखिए, हमारे पास आखिरकार एक ऐसी संगीत शैली है जो एक ऐसे समाज में एक समूह के जीवन के तरीके को दर्शाती है जो गहन और विविधतापूर्ण है, सभी प्रकार के संगीत के साथ घुलमिल जाती है और निश्चित रूप से, "ताल और ब्लूज़" ने कई बार अपना अर्थ बदला है। 1950 के दशक की शुरुआत में, इस शब्द का इस्तेमाल अक्सर ब्लूज़ रिकॉर्ड के लिए किया जाता था। 1950 के दशक के मध्य में, जब इस संगीत ने रॉक एंड रोल को विकसित करने में मदद की, तो "R&B" शब्द का इस्तेमाल व्यापक संदर्भ में किया जाने लगा, जो संगीत की एक ऐसी शैली को संदर्भित करता है जो इलेक्ट्रिक ब्लूज़, गॉस्पेल और सोल से विकसित और संयुक्त होती है। 1970 के दशक में, "ताल और ब्लूज़" फिर से बदल गया और इसे सोल और फंक के लिए एक सामूहिक शब्द के रूप में इस्तेमाल किया जाने लगा। R&B संगीत की एक नई शैली विकसित हुई और इसे "समकालीन R&B" के रूप में जाना जाने लगा। इस समकालीन शैली ने R&B को पॉप, डिस्को, हिप हॉप, सोल, फंक और इलेक्ट्रॉनिक संगीत के साथ जोड़ा। तब तक R&B ब्लूज़ एल्बम पर लागू हो चुका था। लेखक और निर्माता रॉबर्ट पामर ने रिदम और ब्लूज़ को "अश्वेत अमेरिकियों द्वारा और उनके लिए बनाए गए सभी प्रकार के संगीत के लिए एक सामूहिक शब्द" के रूप में परिभाषित किया। उन्होंने जंप ब्लूज़ के पर्याय के रूप में "आर एंड बी" शब्द का भी इस्तेमाल किया। हालाँकि, ऑलम्यूज़िक ने इस शब्द को जंप ब्लूज़ से अलग कर दिया क्योंकि आर एंड बी पर गॉस्पेल का अधिक प्रभाव था। [16] नथिंग बट द ब्लूज़ के लेखक लॉरेंस कोहन ने लिखा कि "रिदम और ब्लूज़" एक व्यापक शब्द था जिसे उद्योग की सुविधा के लिए बनाया गया था। उनके अनुसार, यह शब्द शास्त्रीय और धार्मिक संगीत को छोड़कर सभी अश्वेत संगीत को कवर करता है, जब तक कि गॉस्पेल संगीत 21वीं सदी तक चार्ट में अच्छी तरह से नहीं बिका। आर एंड बी शब्द का इस्तेमाल (कुछ संदर्भों में) अश्वेत संगीतकारों द्वारा बनाए गए संगीत को अन्य संगीतकारों द्वारा बनाई गई शैलियों से अलग करने के लिए किया जाता रहा। वाणिज्यिक रिदम और ब्लूज़ संगीत में, जो 1950 और 1970 के दशक की विशेषता थी, बैंड में आम तौर पर एक पियानो, एक या दो गिटार, बास, ड्रम और सैक्सोफोन शामिल होते थे। व्यवस्थाओं का न्यूनतम अभ्यास किया जाता था, और कभी-कभी बैकअप गायक भी शामिल होते थे। सरल, दोहराए गए हिस्सों को आपस में जोड़ा गया था, जिससे गति और लयबद्ध वादन पैदा हुआ जिसने एक नरम, मधुर और अक्सर सम्मोहक बनावट बनाई, जबकि व्यक्तिगत आवाजों पर ध्यान आकर्षित किया, भले ही गायक भावनात्मक रूप से गीतों से जुड़े थे, अक्सर तीव्रता से। लेकिन वे शांत, तनावमुक्त और नियंत्रण में रहे। बैंड ने सूट और वर्दी पहनी थी, एक ऐसी प्रथा जो लोकप्रिय संगीत से जुड़ी थी जिस पर आर एंड बी संगीतकार हावी होने की आकांक्षा रखते थे। गीत अक्सर अशुभ होते थे, और संगीत अक्सर पूर्वानुमानित राग पैटर्न और संरचनाओं का पालन करता था। आर एंड बी गीत अक्सर अफ्रीकी अमेरिकियों के दर्दनाक अनुभवों को समेटे हुए थे। स्मिथसोनियन प्रकाशन ने 2016 में शैली की उत्पत्ति का सारांश दिया:
लैटिन
इस बात से इनकार नहीं किया जा सकता कि विश्व भर में यात्रा करना किसी शहर को यादगार बना देता है, और मेरा मानना है कि यदि आपने अमेरिका के किसी दक्षिणी देश की यात्रा की है, तो आप निश्चित रूप से लैटिन संगीत से परिचित होंगे। भले ही आप इससे परिचित न हों, लेकिन स्थानीय लोग और नागरिक जिन्होंने स्थानीय संगीत को संरक्षित रखा है, वे निश्चित रूप से आपको लैटिन संगीत की ध्वनियों से परिचित करा सकेंगे। और यही कारण है कि लैटिन संगीत आज भी लोकप्रिय बना हुआ है और अमेरिका चले जाने के बाद भी यह और अधिक लोकप्रिय होता जा रहा है। मेरा मानना है कि आपको यह संगीत भी पसंद आएगा, क्योंकि इसमें स्पेनिश या पुर्तगाली भाषा का समावेश है, जो इसे और भी आकर्षक बनाता है। लैटिन संगीत का स्वर्ण युग तब शुरू हुआ जब 1997 में, NARAS ने लैटिन अमेरिका और स्पेन दोनों में अपने परिचालन का विस्तार करने के प्रयास में लैटिन रिकॉर्डिंग अकादमी (LARAS) की स्थापना की। सितम्बर 2000 में, LARAS ने लैटिन ग्रैमी पुरस्कार की शुरुआत की, जो ग्रैमी पुरस्कार से अलग एक पुरस्कार समारोह था। आयोजकों ने कहा कि लैटिन संगीत जगत इतना बड़ा है कि वह ग्रैमी पुरस्कार समारोह में शामिल नहीं हो सकता। NARAS के पूर्व प्रमुख माइकल ग्रीन ने एक बार कहा था कि लैटिन संगीत शैलियों की विविधता ने लैटिन ग्रैमी पुरस्कारों के निर्माण को जटिल बना दिया है। यह देखते हुए कि इनमें एकमात्र समानता भाषा है, लैटिन ग्रैमी पुरस्कार स्पेनिश या पुर्तगाली भाषा में बजाए गए संगीत को दिए जाते हैं, जबकि संगठन लैटिन अमेरिका, स्पेन और पुर्तगाल के संगीत पर ध्यान केंद्रित करता है। 1990 के दशक के उत्तरार्ध से, संयुक्त राज्य अमेरिका में "लैटिनो" की जनसंख्या में वृद्धि देखी गई है। यह शब्द 1960 के दशक में "स्पेनिश" शब्द को अधिक उचित लेकिन कम लोकप्रिय शब्द "हिस्पैनिक" के साथ भ्रमित करने से लोकप्रिय हुआ था। संयुक्त राज्य अमेरिका के लोगों ने स्पेनिश स्वरों वाले सभी संगीत को "लैटिन संगीत" के रूप में संदर्भित करना शुरू कर दिया। किसी भी शैली में गाया जाने वाला स्पेनिश "लैटिन" के रूप में वर्गीकृत किया गया था। इसने स्पेन में कलाकारों को "लैटिन" कहा जाने लगा।
संयुक्त राज्य अमेरिका
